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Morreu ontem o montador Gilberto Santeiro. Responsável pela edição de mais de 40 longas entre eles “Lição de Amor” (1975) de Eduardo Escorel e o “Mandarim” (1996) de Júlio Bressane – pelo qual ganhou o prêmio de melhor montagem no Festival de Brasília. 

Santeiro, assim como alguns editores, não fez a passagem da moviola para o digital e em 2000 virou curador da cinemateca do MAM se dedicando a esse trabalho até os dias de hoje. 

Para quem teve a oportunidade de frequentar a cinemateca e ouvir suas histórias fica a saudade desse rabugento maravilhoso. 

Em 2014 a edt. promoveu no seu cineclube a exibição de “Copacabana Mon Amour” (1970) de Rogério Sganzerla, editado por Mair Tavares com a assistência do Santeiro. Após a exibição aconteceu um debate onde ele falou sobre a edição do filme e um pouco da sua vida como montador. 

Viva Gilberto Santeiro!

23.ABR.15 | Nesta quinta feira, 23 de abril, estreia o documentário “Um sonho intenso”, de José Mariani. Junto do próprio Mariani, assinam a montagem do filme três associadas da edt.: Célia Freitas, Fernanda Bastos e Helena Lent. O documentário, que fez parte da seleção do festival “É Tudo Verdade” em 2014, estará em cartaz em salas de São Paulo, Rio de Janeiro e Brasília.

Lançando mão de depoimentos de intelectuais e de material de arquivo, “Um sonho intenso” apresenta reflexões sobre a história social e econômica do Brasil, dos anos 30 até os dias de hoje.

Fernanda Bastos falou sobre o processo de montagem do filme:

“Aprendi demais neste filme, sobre o nosso ofício e sobre o Brasil. O material era riquíssimo, tanto o filmado agora como as imagens de arquivo, que foram usadas com muita parcimônia por opção estética mesmo. Foi muito duro deixar tanta coisa boa de fora, mas editar é escolher.”

O documentário “Um sonho intenso” pode ser visto nas seguintes salas:

Rio de Janeiro:

– Espaço Itaú Botafogo
Praia de Botafogo, 316

– Cine Arte UFF
Rua Miguel de Frias, 9. Icaraí, Niterói

São Paulo:

– Espaço Itaú Frei Caneca
Shopping Frei Caneca
Rua Frei Caneca, 569 (3º piso), Consolação, Centro, SP

Brasília:

– Espaço Itaú Brasília
Shopping Casa Park (2º piso)
SGCV Sul, Lote 22 – Guará

Trailer:

15.ABR.15 | Chega aos cinemas na quinta-feira, 16 de abril, o premiado longa metragem “Casa Grande” – estreia na ficção do diretor Fellipe Barbosa. A montagem do filme é assinada pela associada Nina Galanternick em parceria com Karen Sztajnberg.

O longa explora questões de classe e privilégio através da história de Jean, um adolescente rico que luta para escapar da superproteção dos pais, secretamente falidos. Enquanto a casa cai, os empregados têm que enfrentar as inevitáveis demissões.

“Casa Grande”, que tem Marcello Novaes, Suzana Pires e Clarissa Pinheiro, no elenco, recebeu 13 prêmios em festivais nacionais e internacionais, incluindo o de melhor montagem na VII Janela Internacional de Cinema do Recife.

Nina nos falou sobre o processo de montagem:

“A maioria das cenas foram filmadas em planos-sequencia, então uma tarefa importante e demorada era a escolha do melhor take. O material bruto era muito rico e cheio de informações, um grande desafio foi escolher quais informações deixar no filme e quais omitir, oferecendo lacunas ao espectador, mas com muito cuidado para que não se tornassem abismos. Além disso, o Fellipe desenvolveu uma gramática fílmica que é tão forte quanto o conteúdo do roteiro. Esse grau de exigência formal, que nem todos os filmes têm, é o grande diferencial de ‘Casa Grande’, e o que potencializa a história ali contida”.

“Casa Grande” entra em cartaz nos cinemas de São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Brasília, Goiânia, Salvador, Recife, Porto Alegre, Fortaleza e Curitiba, com distribuição da Imovision.

Trailer:

10.ABRIL.15 | A associada da edt. Jordana Berg teve uma parceria de longa data com o diretor Eduardo Coutinho. Ao longo de 19 anos fizeram mais de 10 filmes. Antes de morrer tragicamente, em fevereiro de 2014, Coutinho tinha terminado as filmagens daquele que viria a ser seu último filme, postumamente intitulado de Últimas Conversas. O filme foi terminado pelo então produtor do filme, João Moreira Salles, e montado por Jordana e sua estreia mundial está sendo durante a 20ª edição do festival É Tudo Verdade (09 de abril em São Paulo e 10 de abril no Rio de Janeiro).

A edt. procurou Jordana para fazer uma entrevista exclusiva sobre o processo de montagem do filme, que envolve nesse caso uma parcela ainda maior de autoria do que ocorre usualmente. Ela convidou a montadora Nina Galanternick, membro da Comissão de Comunicação, para assistir a uma exibição do filme para a equipe e em seguida conversaram sobre o filme, desde questões sobre o método de trabalho de Jordana até as dificuldades em se fazer esse filme sem o seu diretor. A conversa entre as montadoras foi longa, com muitos detalhes do processo que provavelmente vão interessar muito a quem trabalha com edição. Segue abaixo a entrevista, mas ATENÇÃO: algumas coisas só poderão ser compreendidas após o filme ser assistido, e poderão inclusive estragar certas “surpresas” do filme, portanto CONTÉM SPOILERS. Eles estão EM VERMELHO, para facilitar a leitura de quem ainda não assistiu.

Como era o método de trabalho de vocês dois?

O Coutinho filmou esse material em novembro de 2013. Foram 9 dias de filmagem. O material bruto era composto por 32 horas, mais ou menos 30 entrevistas. O processo dele era mandar transcrever o material todo para um caderno com o time code de tudo. Eu recebia esse caderno. A minha versão era digital, e a dele, impressa. Ele marcava neste caderno as coisas que o interessavam, que não era necessariamente o que acabaria entrando no filme. Era como se fosse um primeiro select manual. Ele escrevia coisas ao lado, em geral temas que o interessavam: família, filhos, religião, deus, morte, etc., ou alguma palavra que lhe chamou atenção, alguma frase diferente, descomunal, etc. Eu marcava no meu caderno digital tudo o que me interessava e depois o caderno dele vinha para mim (isso como era sempre antes de ele morrer). E aí eu ia fazendo no computador, numa timeline, uma acomodação entre as minhas escolhas e as dele, no Final Cut. Como trabalhamos juntos de 1995 a 2013, 19 anos, ao longo dos anos meus selects foram ficando praticamente idênticos aos dele. Em Canções, 95% daquilo que ele pré-selecionou foi idêntico ao que eu escolhi, pelo menos numa primeira proposta. Chegando ao Últimas conversas, então ele tinha feito esse select e a gente já estava conversando por telefone. Eu não troquei muito com ele porque eu estava ainda muito no início. Ele estava muito infeliz com o filme, achando que não tinha filme, que deu errado – foi um processo complicado. Então, na verdade, as conversas que a gente teve não foram tão profundas em relação à montagem do filme. Conversamos sobre os personagens, impressões gerais do que eu já tinha visto e impressões dele sobre o que eu ainda veria.

Como foi o processo de trabalho de vocês no Últimas Conversas?

Eu tinha começado a assistir o material e ao falar com ele, eu tinha assistido já a uns 10 personagens, dos 30, e a gente estava discutindo. Inclusive uma coisa engraçada é que ele risca quando não gosta de alguma fala, ele faz um X grande em cima da fala – e teve um X desses que era em uma fala em que ele dizia assim para uma personagem: “eu vou te fazer perguntas, eu sei que não vai dar certo, porque nada comigo tá dando certo ultimamente” – que era o clássico dele – “mas eu vou me comportar como seu eu fosse um marciano que te fizesse perguntas, para quem não está nada dado”. E ele jogou isso fora. Quando eu vi esse material, eu liguei na hora pra ele e falei: “Coutinho, você é louco, você jogou isso fora?” E ele disse: “Não, isso não interessa…” – porque ele tinha uma tendência a não incluir as falas dele no material. As falas que apareciam naturalmente ele deixava, mas teorias e coisas assim ficavam de fora.

Vocês chegaram a tomar alguma decisão sobre a montagem juntos?

Mas você sabe que o Coutinho tem uma linha de trabalho que a gente faz uma regra do jogo no início de cada filme, que é um pouco a premissa daquilo que vai ser assistido. Por exemplo, no Edifício Master, a regra do jogo é uma cena nos corredores com a voz dele em off falando “estamos aqui no Edifício em Copacabana, com tantos apartamentos, x moradores, e eu vim aqui ficar uma semana para conhecer os moradores desse lugar.” Isso basta para o espectador pegar na mão dele e não ter questionamentos inúteis que o impeçam de mergulhar no filme de uma vez, e, ao contrário disso, ficar tentando descobrir ao longo do filme. Em O Fim e o Principio, a regra do jogo é com ele no carro indo, dizendo: “estou indo pra um lugar que eu não sei bem qual é, fazer um filme que eu não sei qual é, sem roteiro, vou buscar uma comunidade que me aceite.” Bem, esse filme, Últimas Conversas, não tinha material pra fazer uma regra do jogo. Então eu falei: “Coutinho, vamos usar essa personagem pra fazer a regra do jogo. Não vai ser uma regra que virá exógena ao material, que você constrói uma cena do corredor com uma voz off. Era a própria junção da cena que existe com a ideia de regra do jogo. Eu falei: “tem essa fala em que fica claro: ‘eu estou fazendo entrevistas com jovens do ensino médio de escola publica, mas eu não estou interessado no tema escolar, eu estou interessado na vida das pessoas.’” E ele falou: “pode ser, se você acha que dá, então dá”. Isso acabou sendo realmente o início do filme. Quer dizer tem um outro início que veio depois, mas inicialmente o início era esse.

Como foi a decisão de continuar o filme sem o Coutinho?

Ele morreu no dia 2 de fevereiro, um domingo. Dia 3 foi o enterro, no dia 4 o João Salles me ligou, pediu uma reunião e perguntou: “o que você pensa em fazer? O que você tem vontade de fazer? O que agente vai fazer? Olha a situação em que a gente está!”. Eu falei para ele que o filme tinha que ser feito, que eu precisava fazer e que não poderia demorar muito porque eu tinha medo do tamanho do meu luto – tamanho em termos de tempo que iria durar e em termos de profundidade. Eu tinha um pouco de medo de não conseguir depois encostar no material. Eu estava com uma certa adrenalina para me defender do choque, e eu falei que tinha que fazer: “acho que as pessoas precisam ver, eu tenho acesso a esse material, eu sou uma privilegiada e eu acho que isso tem que ser urgentemente dividido com todo mundo que gosta dele ou que conhece ele e tal”.

A montagem estava marcada para começar no dia 17 de fevereiro, ele morreu no dia 2, era o tempo que faltava para eu terminar de assistir o material e selecionar as coisas. Então no dia 10 eu comecei a montagem. O João viu o material para que pudesse ser meu interlocutor. Ele não acompanhou a montagem na ilha, nem corte a corte. O primeiro corte que o João viu tinha 2h45min, mas ele conhecia o material, então ele estava em pé de igualdade para debater o filme, me contradizer, concordar, pedir coisas, pra lembrar de situações interessantes e tal. Então eu comecei a montar o filme e foi um processo interessante, porque, como eu tinha tanta, mas tanta, tanta afinação com o Coutinho, é quase como se ele não tivesse morrido. Como se ele tivesse filmado e ido fazer um trabalho em Paris e eu fiquei aqui montando. Eu e o João, a gente brincava que era como seu eu estivesse psicografando o Coutinho. Quando chegamos a um corte que consideramos praticamente pronto, começamos a nos perguntar se o filme que o Coutinho faria seria o filme que deveria ser feito na medida em que ele não o fez. Aparecia então a questão da autoria, afinal de contas esse filme passou a ser nosso por menos que a gente quisesse. Então a gente se perguntou: “como é que a gente pode continuar a fazer um filme que ele faria se ele não o fez?” Tudo bem, tá muito parecido, se fizesse uma comparação anatômica entre o corte que eu fiz e os outros filmes dele, você identificaria o Coutinho ali. Acontece que aquele filme era fruto de uma filmagem do Coutinho com uma montagem e uma finalização não do Coutinho, de outros autores.

Como foi essa virada? Como vocês pensaram esse novo filme?

O processo desse filme tinha sido muito complicado porque ele queria fazer um outro filme que, por razões legais, não pôde ser feito, então ele estava fazendo esse filme em que ele não acreditava. Ele não acreditava em jovens, porque ele trabalha muito a fala ligada à memória e ele acreditava que jovens não lembram, só vivem o presente, que ele não teria o que “tirar” dessas pessoas. Então ele estava muito descrente

E aí , no final do quarto dia de filmagem, me convidaram para ir ao estúdio conversar com ele, já que tínhamos tanta intimidade para ajuda-lo a pensar no filme e no que fazer dali pra frente. E essa conversa foi gravada porque o personagem tinha acabado de sair e eu entrei em seguida, a câmera estava ligada então seguiram gravando. Na montagem, a gente resolveu, eu e o João, que seria mais fiel ao próprio Coutinho a gente incluir o processo no filme do que fazer o filme que ele faria, e assim decidimos incluir essa conversa. Quando a gente decidiu que aquele filme que a gente tinha acabado de fazer não era o filme que deveria ser feito, o João me propôs assim: “vamos fazer uma experiência buscando no material bruto outras coisas que falem mais da vivência que o Coutinho estava tendo do que simplesmente o bate bola com o entrevistado. Ele disse: “vamos editar 20 minutos de filme pra ver se isso se confirma ou se o filme é esse mesmo”. Eu falei: “não tem como! Eu tenho que ver o material todo de novo porque quando eu assisti ao material, eu tinha outro enfoque, eu estava focada no outro, e não no Coutinho”. Então eu comecei do zero. Um projeto novo, uma timeline nova, como se fosse um novo filme. Vi o material todo de novo, focando nisso, no Coutinho, no processo que estava submerso naquelas entrevistas. E assim foi feito.

Eu fiz uma seleção e uma montagem inicial de 3h30, incluindo o making of e outras pequenas coisas. Porque nesse filme, sempre que acabavam as entrevistas – não era uma coisa que acontecia normalmente  mas nesse filme aconteceu, talvez uma coisa premonitória do Jacques (Cheuiche, fotógrafo do Coutinho desde Babilônia) – o Jacques voltava a câmera para o Coutinho que comentava as cenas e dizia o que tinha achado. Então eu tinha um material paralelo ao filme bastante rico. E eu montei milhões de cenas dessas, o filme ficou até menos franciscano do que são os filmes do Coutinho porque tinha cena de bastidores, ele escutando música ele fazendo isso e aquilo. E aí aos poucos a montagem que estava franciscana foi engordando, foi se expandindo se alastrando se colorindo. Eu botei várias cenas de making of, que algum dia vão vir à luz em um DVD, porque são cenas bonitas, algumas poéticas, mas era fetiche do astro, fumando, com luz atrás, ele xingando, dando os ataques dele. Mas a gente chegou a conclusão de que esse material (o making of) não era a percepção do processo real, que aquilo era um fetiche, e então fui tirando cenas e o filme foi retornando ao seu estado de precariedade.

Quando eu apresentei o corte para o João, a minha censura já tinha limpado muito, praticamente tudo. Aí o João deu uns três tapas que fez cair o pouco que eu achava que não era tão fetiche, mas que era. E aí a gente incluiu essa cena inicial da minha conversa com ele e algumas pequenas coisas que são de fala do Coutinho, mas não se vê ele em quadro, e que traziam um pouco do processo da filmagem, do drama como um todo e do próprio processo dele de fazer esse filme. Então o filme recebeu a cena inicial da nossa conversa, que a principio o Coutinho jamais teria querido, ele não pediu nem pra decupar. Era um material que não tinha nem transcrição, que não tinha nenhuma possibilidade de entrar no filme se fosse nas mãos do Coutinho.

Como vocês resolveram a questão da autoria do filme?

A gente falava assim: “como é que a gente vai explicar que esse filme é um filme filmado pelo Coutinho e finalizado por duas outras pessoas?”. Então eu tive uma ideia de no início do filme, quando entra o título, colocar também um crédito: dirigido por Eduardo Coutinho, montado por Jordana Berg, terminado por João Moreira Salles. Se você pegar todos os filmes dele que eu participei desde Santo Forte, não existe crédito do Coutinho no início de nenhum deles, muito menos meu ou de qualquer membro da equipe. Mas nesse caso o crédito faz um papel narrativo de contar sobre o processo. É como se fosse uma fala de como esse filme foi resolvido.

Você montou esse filme em quanto tempo?

Foram 10 meses de montagem. Eu acabei a montagem no dia 12/12/14. E nesse período eu fiz muitos outros filmes porque eu não suportava ficar 5 dias vendo o Coutinho. Cada dia que eu trabalhava no filme do Coutinho, dificilmente eu conseguia me recuperar pra fazer outra coisa naquele dia. E eu não conseguia trabalhar muitas horas seguidas. Eu trabalho na minha casa, trabalho com headphone, eu não aguentava ouvir a voz do Coutinho o dia inteiro. Então eu ia trabalhando devagar e intercalando com outros filmes.

E como foi para você? Você já foi analista antes? (risos)

Não eu já fui louca (risos). Esse material tem 68 minutos, é incrível, porque o que eu fiz ali, que dá pra ver um pouco, é a tentativa de ajuda-lo a descobrir como chegar naquelas pessoas, porque ele dizia que não estava tendo acesso a elas.

Você dá a chave do problema logo no início, quando você fala que a curiosidade é a ferramenta dele para conseguir que os personagens falem.

Essa é a parte que eu mais gosto. Quando ele diz: “eu só posso dar os olhos e o corpo”. E eu perguntei: “mas você está dando, mesmo?”. Esse material bruto é muito incrível, que termina com ele falando “Corta!”. Isso foi uma coisa que não foi exatamente discutida com o João, ficou meio que automaticamente, mas que me passou pela cabeça, quando eu estava montando esse pedaço. O fato dele dizer “corta” coloca em jogo toda aquela conversa como sendo encenação. No final, quando ele fala “corta” ele bota em questão tudo de novo e eu fiquei em duvida se eu deixava esse “corta”. Se eu tivesse tirado, teria deixado aquela cena como algo captado, roubado e ali, você mantém o comando dele, mesmo botando ele numa situação terrível de derrota, de fracasso, ele ainda assim está no comando, com aquele pequeno “corta”.

Existe uma razão para isso eu acho. A minha intuição – aí entra a parte do tanto que eu conheço ele – era: quando a gente estava fazendo Moscou – Moscou era um filme que também estava sem caminho, mas diferente deste, estava sem caminho durante a montagem – ele não dirigiu, porque era o Kike Diaz que dirigia, ele filmou o Kike Diaz dirigindo a peça Três Irmãs. E ele se viu com um material como se não pertencesse a ele, não era documentário, não era ficção, a gente não sabia o que fazer com aquilo, a gente fez um corte de 4h40 e mandou para uma pessoa que falou assim: “esse filme tá fracassado! Por que você não abre a câmera e fala isso, faz um cenário parecido e fala sobre o fracasso do filme, seria um depoimento ao longo do filme”. E na minha cabeça quando a gente estava conversando, eu acho que passou pela cabeça dele isso, essa fala dessa pessoa: “por que você não vai na frente da câmera dizer que você fracassou?”. E ele foi.

Como ele foi parar na cadeira do entrevistado?

Quando eu cheguei no estúdio ele estava entrevistando a última personagem do dia que estava naquela cadeira dos entrevistados, e ele estava atrás da câmera, sentado na cadeira do diretor. Me sentei na cadeira, a gente começou a conversar e uma hora ele falou assim – dentro da nossa tentativa de descobrir como abordar os jovens naquele filme: “sabe o que eu vou fazer? Eu vou sentar na cadeira do entrevistado e vou inverter o jogo! Vou falar  para o entrevistado me entrevistar. O personagem vai sentar aqui onde eu tô e vai me fazer as perguntas que ele quiser, sobre a minha vida, sei lá?” Aí eu falei, na hora: “então vamos fazer isso agora, vamos trocar de lugar”. E a equipe inteira apoiou: “troca, troca!”. Então agente trocou, tem isso filmado inclusive, eu e ele trocando de lugar. Ele realmente incorporou alguma coisa a partir do momento em que ele foi para a frente da câmera – apesar dele estar naquele nível de derrota, que é uma situação que ninguém gosta muito de se ver – ele tinha consciência disso, de que estava imprimindo a derrota dele.

Mas não era um entrevistador qualquer, era você, a montadora dos filmes dele. Tem uma brincadeira em nosso meio profissional de que a ilha de edição às vezes vira divã. Ele ter assumido essa postura, não teria a ver com a relação que vocês têm?

Dentro da concretude toda, era comigo que estava acontecendo aquela conversa, fui eu que propus a troca. Eu acho que ele estava se sentindo verdadeiramente sem saída, que ele estava topando coisas que não faziam nenhum sentido, que podem até fazer sentido depois, mas que ali era “vamos brincar de trocar de cadeira? Vamos!”. Ele foi dócil. Eu não fiz uma entrevista propriamente com ele, a gente ficou conversando sobre o que poderia fazer, o que poderia perguntar, a situação daqueles jovens. Mas acho que isso não tem a ver com montagem. Eu não fui chamada como montadora para ir ao set, fui como profunda conhecedora dele, e como alguém a quem ele escutava. Como ele me escutava na montagem ele me escutaria ali também. Mas nossa relação ultrapassou o trabalho. A gente se via toda semana, o ano inteiro, durante 19 anos.

Nesse filme os personagens são mais longos do que habitualmente, né? Por quê?

A gente costumava dividir os personagens entre peões, bispos e rainhas. Os peões são personagens bem curtos que entram para ajudar a narrativa ir para frente, os bispos são personagens mais fortes, mas que não são extremamente luminosos, em termos de tamanho são médios. E as rainhas são os grandes personagens, aqueles que duram um bom tempo, tipo a D. Tereza do Santo Forte. E mesmo as rainhas e reis dos outros filmes tinham uma duração menor em termos de tempo, e nesse filme o Coutinho falou isso pra mim nas nossas conversas na semana anterior à sua morte: acho que esse filme deveria ter uns 8 ou 10 personagens grandes. Em princípio, não levei isso em conta como regra mas na prática foi o que aconteceu. O filme tem 10 personagens e são realmente grandes. Só poucos personagens são pequenos, 2 ou 3. Tinha outros personagens que poderiam ter ficado no corte e eu teria que encurtar todos os outros, mas foi uma decisão a de fazer personagens mais longos, estendidos, que você compensasse a teórica falta de memoria com duração.

Quem é a rainha desse filme?

Pra mim a rainha supra sumo, em quem eu trabalhei muito e que já foi muito maior, mas que ficou muito desequilibrado, é a Pamela Luana, a que canta. E a menininha é a suprema, a rainha suprema única e ela ficou desde o inicio do projeto depois que o Coutinho morreu. Provavelmente, no filme do Coutinho ela não ficaria. Existia um projeto de talvez fazer um filme com as crianças, aquilo era um exercício do que poderia ser. Então ela não iria participar desse filme dele, mas quando ele morreu uma das minhas primeiras conversas com o João foi que essa menina fecharia o filme, ela é o futuro.

Você fez a montagem por personagem? Internamente, seguem a ordem cronológica dos depoimentos?

Montei por personagem e na ordem da filmagem. Como eu não tinha nenhum critério para escolher eu fiz assim. Eu acho que a base é cronológica, como em todos os outros filmes dele, era sempre o chão do personagens, mas com pequenas alterações para melhorar a compreensão de algum item, por exemplo, quando as informações estão afastadas na entrevista, a gente aproxima na montagem.

Qual é critério para deliberar aquilo que vai ser deixado de fora da montagem?

A primeira etapa que faz o material secar sozinho é a etapa ética. Esses meninos todos falam muitas coisas que a mãe, que estava atrás do set, não teria permitido eles falarem, ou que eles poderiam se arrepender quando crescessem mais. Então são coisas incríveis, divertidas, emocionantes mas que não passaram por essa primeira peneira, que já derruba uma parte grande do material bruto. E depois tem um funcionamento um pouco dramatúrgico, a gente vai escolhendo de acordo com as nossas subjetividades. Quando eu trabalhava com o Coutinho – as minhas subjetividades são muito diferentes da dele – a gente discutia a partir de coisas virtuais: “eu sou judia isso tem a ver comigo por isso”, “não, eu não gosto de tocar nesse tal assunto porque me faz mal”, “não gosto desse tipo de tema” ou “essa pessoa me irrita”. Coisas variadas que não têm uma razão profunda para existir. Por exemplo, a segunda personagem, tinha um material muito vasto dela, muito divertido, mas era tão surrealista, que ela ficava parecendo um pessoa louca, borderline, o Coutinho tinha inclusive derrubado ela. A gente recuperou essa personagem, montei de forma hiperbólica, e fui secando, para ela se tornar uma pessoa minimamente crível. Não que um filme não possa apresentar alguém louco, mas ela não era louca, apenas que a soma das falas dela traziam essa sensação de uma pessoa louca.

Como foi a escolha dos personagens?

Tem os personagens que caíram. A gente como montador sempre tem saudade de algumas coisas que caíram. Para o diretor você mente: “vai estar tudo no DVD!”, mas pra mim não interessa, o DVD não me pertence, o que me pertence é o filme. Então tem personagens que caíram e outros que tinham que ser reduzidos, e foram escolhas tipo cortar na carne. Tiveram muitos personagens que caíram na primeira montagem, mas na segunda renasceram, e que caíram novamente. Eu acreditei neles exatamente porque eles tinham dado errado na primeira, eram os personagens ideais pra um filme que trata do fracasso. Então eles foram até mais valorizados na remontagem, mas eram pessoas que não falavam ou que falavam coisas que não faziam sentido ou excessivamente histriônicos ou excessivamente desinteressantes. No final, essa lógica não se sustentou. Não dava pra fazer um filme ruim com os personagens menos interessantes para mostrar que o filme não estava dando certo. Então isso foi um caminho para eu pesquisar onde, no material bruto, estaria este processo do filme, durante a segunda montagem.

Existiu uma deliberação em não dar todas as informações, para que o espectador possa imaginar ou a informação é importante?

O Coutinho, apesar de ser um cara ultra-sofisticado e ter um nível de subjetividade muito grande nas coisas que ele pensa e faz, ele é muito concreto, então a gente em geral não trabalha com essa lógica do que vai dar para o espectador ou não. Ele quer que a história fique clara, isso é uma preocupação muito firme. Ele não tinha a preocupação de ser estiloso: “ah! Vou esconder isso pra dar mais na frente…”. Em outros filmes que eu monto isso é muito visível, uma tentativa pelo menos, de que não esteja tudo entregue, pronto, para que a pessoa possa completar, com a imaginação e com a conta que ela é capaz de fazer a partir das informações que ela recebeu ao longo do filme. O Coutinho queria contar, ele investia em tudo o que pudesse manter a pessoa no filme coesa, comovente. Então era menos a linguagem, o jogo de puzzle, era mais concreto. E as perguntas dele eram muito concretas, né?

O Coutinho tinha uma preocupação dramatúrgica: “não vou colocar duas pessoas chorando perto, não vou botar duas pessoas que brigaram com o pai perto”. Ele tinha preocupações de não casar coisas muito primárias, muito óbvias, especialmente no fim de um personagem e no início de outro. A gente fazia juntos uma composição dramatúrgica, que tivesse ritmo e os peões serviam para isso, entre uma rainha e outra ou entre rainha e um bispo tinha um peão ou dois. Inclusive na montagem, a gente tinha um quadro, onde cada um tinha um cartão com uma cor diferente, assim a gente visualizava rainha, bispo, etc. Raramente você vê num filme dele duas rainhas seguidas .

Como foi pensada a montagem entre os personagens, a entrada e saída deles, por exemplo?

Quando eu montei os personagens avulsamente eu montei todos com a entrada e a saída em cena. Pensei que seria na economia geral do filme que eu iria definir quem ficaria com porta e quem ficaria sem porta. E é sutil, quase não aparece um trabalho sério que foi feito ali, mas eu fiquei séculos estudando o tempo em que a porta fica antes da pessoa entrar e depois dela sair. A porta que fica aberta no final, por exemplo, o Coutinho fala: “deixa a porta aberta” para a entrevistada. Na montagem, eu deixei a porta aberta durante um tempo que seria o suficiente para ser o final do filme. Se você olhar o Jogo de Cena ele termina com o cenário e as cadeiras. Então essa cena ficou com a cara de fim de filme, já dava tempo de você ter pego seu celular, ter pego a bolsa… Depois de um tempão da porta aberta, vem o corte para a próxima menina, a cena começando já com a maçaneta sendo aberta, não tem o tempo de espera que em geral os outros personagens tinham antes de entrar em cena. A ideia era de dar um susto na pessoa. Como a gente faz quando está montando ficção, que a gente quer dar um susto sonoro. A gente esvazia o máximo o corte anterior e preenche ele de silêncio, para que o som que chegue, chegue como uma quebra verdadeiramente impactante. Então o corte foi influenciado por essa ideia de dramaturgia: quando você pensa que acabou o filme, aí de repente não, bu!!!!, aí vem uma pessoa reduzida. (risos) E a ideia de ter a menina como último personagem nasceu antes da ideia do Coutinho ser o primeiro personagem, mas no computo geral ficou isso: você começa com o fim e acaba com o princípio, você começa com o fracasso e termina com a gloria.

Quando você fez a remontagem, após a morte do Coutinho, muitas coisas devem ter ganhado um significado muito forte, pois nessa nova perspectiva os temas como vida/morte, pai/filho, loucura/sanidade têm outro impacto, né?

Isso foi muito tenso na montagem pra mim, porque, se você olhar os outros filmes dele, o Coutinho fala de morte em todos filmes a cada 10 segundos, não é uma coisa que foi inventada com a morte dele. Mas nesse filme, eu sabia que eu não podia tratar aquilo com ironia, como a gente tratava: “ah! Eu vou morrer amanhã!”. Eu sabia que cada palavra nesse sentido tinha um peso muito grande e muito perigoso. Saíram muitas coisas que em outro momento seriam uma brincadeira, uma ironia, mais uma gracinha mórbida do Eduardo Coutinho. Mas isso foi realmente uma coisa que ficou muito na minha cabeça e muita coisa foi suprimida.

E agora?

Agora que o filme está entregue ao mundo, que ele passou a pertencer a todos, é seguir com o Coutinho dentro de mim.

O festival É Tudo Verdade chega à sua 20º edição em quatro cidades, Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte e Brasília, consolidado como parâmetro essencial para o gênero do documentário.

O evento abre para o público no dia 09 de abril em São Paulo, dia 10 de abril no Rio de Janeiro, 29 de abril em Belo Horizonte e 27 de maio em Brasília.

O saudoso diretor Eduardo Coutinho (1933-2014) será homenageado e seu documentário final “Últimas Conversas”, montado pela associada Jordana Berg, será o filme de abertura em sessão para convidados no Rio e em São Paulo.

Os associados da edt. mais uma vez têm forte presença no festival assinando diversos filmes. Confira:

Jordana também montou dois longas em em competição “Caminho de volta”, de José Joffily e Pedro Rossi e “Eu sou Carlos Imperial”, de Renato Terra e Ricardo Calil.

Na mostra competitiva de curtas, o associado Arthur Frazão assina a montagem do curta “Caetana”, dirigido por Felipe Nepomuceno e que estará em cartaz nos dias 15 e 19 de abril em São Paulo e 16 e 17 de abril no Rio

O associado Vinicius Nascimento assina a montagem do curta “De Profundis”, dirigido por Isabela Cribari, que também compete na categoria de curta-metragem, estará em cartaz nos dias 12 e 19 em São Paulo e nos dias 14 e 16 no Rio

Na mostra Estado das Coisas,”Estrada de Sonhos”, o longa dirigido por Pedro von Krüger também foi montado por Arthur Frazão. Será exibido nos dias, 11, 13 e 15 em São Paulo e 17 e 19 de abril no Rio.

O filme Geraldinos, que é dirigido e produzido pelos associados Pedro Asbeg e Renato Martins será exibido nos dias 15 e 16 em São Paulo e nos dias 16, 17 e 18 no Rio, na mostra Estado das Coisas.

“Dominguinhos” está na mostra documentários musicais, foi montado pelo associado Joaquim Castro e dirigido por ele, Eduardo Nazarian e Mariana Aydar.

Confira a programação em: http://etudoverdade.com.br/br/programacao/

27.NOV.14 | “Os Amigos”, quarto longa-metragem da diretora Lina Chamie, segue na segunda semana em cartaz nos cinemas. A montagem da associada Karen Harley foi premiada na edição de 2013 do Festival de Gramado.

O filme acompanha um dia na vida de um arquiteto de São Paulo que acaba de perder um amigo de infância. No funeral, ele relembra seus amigos e reflete sobre a existência.
No elenco, Marco Ricca, Dira Paes, Sandra Corveloni, Rodrigo Lombardi, Alice Braga, Caio Blat, Fernando Alves Pinto, Otávio Martins e Maria Manoela.

Karen Harley comenta sobre o trabalho: ”Quando Lina me chamou pra montar  Os Amigos, antes de começar as filmagens, ela me disse que não queria música nesse filme. Mas assim que assisti ao material bruto, não consegui imaginar o filme sem música. Queria acrescentar uma camada, que acabei chamando de loucurinhas, que desse mais leveza ao filme. E também queria provocar mais a Lina musicista, com um ouvido incrível e um conhecimento fascinante em música clássica. Eu tinha certeza que ela iria achar a música ideal pra essa loucurinhas. Pedi pra ela me mandar umas peças; ela me mandou, entre outros, Camille Saint-Saens, Grieg, Britten, decidida a não usar nenhuma música, mas me dando total liberdade para experimentar o que fosse. Acabou entrando totalmente no jogo sutil das loucurinhas. Mas a melhor coisa em montar  Os Amigos foi o encontro e a troca que tive com Lina Chamie, que hoje é minha amiga.”

No Rio, o filme pode ser visto em sessões únicas no Espaço Itáu de Cinema e no Espaço Rio Design.

Trailer:

27.NOV.14 | O forumdoc.bh.2014 (festival do filme documentário e etnográfico/forum de antropologia e cinema) encerrou sua decima oitava edição em 30 de novembro. Entre os premiados, na mostra competitiva nacional, “Urihi Haromatipë – Os Curadores da Terra Floresta”, de Morzaniel Iramari Yanomami, foi eleito o melhor filme. O prêmio foi dividido com “A vizinhança do Tigre”, de Afonso Uchoa.

Com montagem da associada Julia Bernstein (junto com o diretor e Pedro Portella, o documentário registra imagens potentes de rituais de pajelança indígena Yanomami.

27.NOV.14 |“Irmã Dulce” narra a trajetória da beata indicada ao Nobel da Paz e chamada em vida de “Anjo Bom da Bahia” graças a sua dedicação abnegada aos necessitados, doentes e miseráveis. Capaz de atravessar Salvador de madrugada para amparar um menino de rua ou de pedir dinheiro a políticos em pleno palanque, Irmã Dulce enfrentou o preconceito, o machismo e os dogmas da igreja, além de sua própria doença respiratória, para construir sua obra social. Candidata à canonização, a religiosa reúne três qualidades definidoras dos brasileiros: fé, alegria e obstinação.

O filme foi dirigido por Vicente Amorim e montado por nossa associada Tainá Diniz (montagem adicional de Manga Campion e Eduardo Hartung, assistência de montagem de Rodrigo Ambar e Clarice Mittelman).

Tainá Diniz nos contou com exclusividade sobre o trabalho:

Uma característica importante do processo de edição do Irmã Dulce foi lidar com o prazo. Devido a data de lançamento, tínhamos um tempo determinado e curto para editar. Então abrimos mais frentes: uma em São Paulo, com o Manga, e outra no Rio, com o Edu, ambos focados em trechos específicos. Contamos também com dois assistentes e uma planilha para organizar tudo!

O que parecia um fator limitante acabou sendo uma das melhores surpresas do processo. Trabalhar com uma equipe grande foi um catalisador de idéias. Nossa troca de impressões e sentimentos fez com que o filme levasse o melhor de cada um. Ganhamos ao ter uma equipe integrada, dedicada e sincera.

Trailer:

15.NOV.14 | O Curta Cinema, Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro, encerrou sua vigésima quarta edição tendo exibido uma seleção da variada recente produção no formato.

O júri da mostra competitiva nacional foi formado por Magali Simard, Katrin Küchler e André Miranda, e premiou filmes que tiveram montagem de associados da edt.

“O Bom Comportamento”, montado e dirigido por Eva Randolph (com co-montagem de Marília Morais), recebeu o prêmio de melhor roteiro (de Eva Randolph e René Guerra).

“A Deusa Branca”, montado por Alexandre Gwaz, tecebeu o pêmio de melhor direção para Alfeu França.

O público também votou em filmes que tiveram participação de nossos associados. Com montagem de Julia Bernstein, Ameaçados”, de Julia Mariano, foi eleito o melhor filme pelo júri popular na competição nacional e “Outono”, filme de Anna Azevedo montado por Eva Randolph, foi escolhido pelo público na mostra Panorama Carioca.

04.NOV.14 | A sétima edição do Janela Internacional de Cinema do Recife realizou sua cerimônia de premiação no ultimo domingo, dia 2 de novembro. A associada da edt. Nina Galanternick e Karen Sztajnberg receberam o prêmio de melhor montagem por “Casa Grande”, longa de Fellipe Barbosa.

Sobre a montagem do filme Nina contou que:

“A maioria das sequencias foram filmadas em planos-sequencia, então uma tarefa importante e demorada era a escolha do melhor take. O material bruto era muito rico e cheio de informações, um grande desafio era escolher quais informações deixar no filme e quais omitir, oferecendo lacunas ao espectador, mas com muito cuidado para que não se tornassem abismos. Mas a tarefa mais trabalhosa mesmo foi acertar a mão na construção das relações de afetividade entre os moradores da casa e os empregados”

O curta “O Bom Comportamento”, dirigido e montado pela associada Eva Randolph, recebeu o prêmio de melhor som na categoria curta.

O festival, dirigido pelo cineasta Kleber Mendonça Filho, exibiu mais de 130 produções brasileiras e estrangeiras e teve recorde de público desde sua primeira edição em 2008: este ano, 17 mil pessoas frequentaram sessões em três espaços da cidade, incluindo o tradicional Cinema São Luiz.

É muito bom ver associados tendo seus trabalhos reconhecidos! Parabéns!

Confira a lista completa dos premiados:

 Competição de longas

*Júri: Chris Stults, João Vieira Jr e José Geraldo Couto

Melhor longa: “A Professora do Jardim de Infância” (Haganenet , Israel /França, 2014), de Nadav Lapid

Melhor Direção: Gabriel Mascaro, por “Ventos de Agosto” (PE, 2014)

Melhor Imagem: “Jauja” (Argentina/França, 2014), de Lisandro Alonso

Melhor Som: Maurício d´Orey, por “Ventos de Agosto” (PE, 2014), de Gabriel Mascaro

Melhor Montagem: Nina Galanternick e Karen Sztajnberg, por “Casa Grande” (RJ, 2014), de Fellipe Barbosa

 Competição Nacional de Curtas

*Júri: Barbie Heussinger, Rafael Ciccarini e Nara Normande

Melhor curta: “Quinze” (MG, 2014), de Maurílio Martins

Melhor imagem: “Nua por Dentro do Couro” (MA, 2014), de Lucas Sá

Melhor som: “O Bom Comportamento” (RJ, 2014), de Eva Randolph

Melhor montagem: “A Era de Ouro” (CE, 2014), de Leonardo Mouramateus

Menção honrosa: “O Lugar Mais Frio do Rio”, de Madiano Marcheti

 Competição Internacional de Curtas

*Júri: Michael Gibbons, Karen Black e Roberta Veiga

Melhor Filme: “A Galinha” (The Chicken, Alemanha, 2014), de Una Gunjak

Melhor Montagem: “Redenção” (Redemption, Portugal, França, Alemanha e Itália, 2013), de Miguel Gomes

Melhor Som: “A rainha” (La Reina, Argentina, 2013), de Manuel Abramovich

Melhor imagem: “Bens Abandonados” (Abandoned goods, Reino Unido, 2014), de Pia Borg e Edwar Lawrenson

 Prêmio João Sampaio para Filmes Finíssimos que Celebram a Vida

“A misteriosa morte de Pérola” (CE), de Guto Parente e Ticiana Augusto Lima

 Prêmio Aquisição Canal Curta! (R$ 5 mil)

“A Era de Ouro” (CE), de Leonardo Mouramateus

 Prêmio Janela Crítica

Curta nacional: “La llamada” (SP), de Gustavo Vinagre

Curta estrangeiro: “Oh Lucy” (Japão), de Atsuko Hirayagi

Longa: “A misteriosa morte de Pérola” (CE), de Guto Parente e Ticiana Augusto Lima

 Júri ABD/APECI (curtas nacionais)

Júri: Gabi Saegesser, Mauricio Correia e Roberto Azoubel

1º lugar: “Quinze” (MG, 2014), de Maurílio Martins

2º lugar: “Noites traiçoeiras” (PE, 2014) de João Lucas

 Prêmio FEPEC – Federação Pernambucana de Cineclubes

Júri: Pietro Félix, Gabriela Saldanha e Fabiana Maria

 Melhor Filme Para Reflexão: “Si no se puede bailar, esta no es mi revolución” (SP/Cuba, 2014), de Lillah Hallah

02.NOV.14 | A 38ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo anunciou seus premiados. Dentre eles, dois longas-metragens foram montados por associados da edt.. São eles “Casa grande”, de Fellipe Barbosa, montado pela associada Nina Galanternick e por Karen Stajnberg, ganhador do prêmio da Associação Brasileira de Críticos de Cinema, a ABRACCINE; e “Encantados”, de Tizuka Yamasaki, montado por Tainá Diniz e Martha Luz, recebeu o Prêmio da Juventude – Melhor Filme Brasileiro.

Confira abaixo a lista completa dos vencedores da 38ª Mostra de SP:

Troféu Bandeira Paulista 2014

30.OUT.14 | O documentário “Democracia em preto e branco” dirigido por Pedro Asbeg e montado por Renato Martins (ambos associados da edt.) entra em cartaz no Rio de Janeiro, hoje.  O filme mistura política, futebol e rock’n Roll. No início dos anos 80, Sócrates, Casagrande e Vladimir lideram um movimento histórico no futebol e adotam a democracia dentro do time do Corinthians como exemplo de protesto ao regime militar. Com a massa a seu favor se tornam símbolos da luta pelas Diretas Já! e se misturam com a mobilização social e musical da época.

Exibido em diversos festivais como É Tudo Verdade, Festival Internacional de Cinema de Mar del Plata, Festival de Cinema Brasileiro de Toronto e Montreal, “Democracia em preto e branco” ganhou Menção Honrosa do Juri Oficial no É Tudo Verdade e o prêmio de Melhor longa-metragem no Cinefoot 2014.

Em exibição no Estação Gávea, às 18h10.

09.OUT.14 | A edição de 2014 do Festival do Rio terminou nesta quarta premiando, em diversas categorias, títulos que tiveram montagem de associados da edt.

“Sangue Azul”, de Lírio Ferreira, foi o longa de ficção vencedor da mostra competitiva da Première Brasil. O filme, montado por Mair Tavares e Tina Saphira, recebeu também os prêmios de melhor direção e melhor ator coadjuvante.

“Casa Grande”, de Fellipe Barbosa, foi eleito melhor longa de ficção pelo júri popular. A associada Nina Galanternick assina a montagem do filme, junto com Karen Sztajnberg. O documentário escolhido, “Favela Gay”, dirigido por Rodrigo Felha, foi montado por Quito Ribeiro.

Na mostra Novos Rumos, “O bom comportamento”, dirigido por Eva Randolph e montado por ela e Marília Morais, foi escolhido o melhor curta. Alexandre Gwaz montou “Deusa Branca”, de Alfeu França, vencedor do prêmio especial do júri.

Parabéns aos associados, que mais uma vez marcaram firme presença nesse que é um dos mais importantes festivais do Brasil.

Confira a lista completa dos premiados do festival:

Melhor Longa-Metragem de Ficção: Sangue Azul, de Lírio Ferreira
Melhor Longa-Metragem de Doc: À Queima Roupa, de Theresa Jessouroun
Melhor Curta-Metragem: Barqueiro, de José Menezes e Lucas Justiniano
Melhor Diretor de Ficção: Lírio Ferreira ( Sangue Azul)
Melhor Diretor de Doc: Theresa Jessouroun (À Queima Roupa)

Melhor Atriz: Bianca Joy Porte (Prometo Um Dia Deixar Essa Cidade)
Melhor Ator: Matheus Fagundes (Ausência)
Melhor Atriz Coadjuvante: Fernanda Rocha (O Último Cine Drive-In)
Melhor Ator Coadjuvante: Rômulo Braga (Sangue Azul)
Melhor Fotografia: André Brandão (Obra)
Melhor Montagem: Luisa Marques (A Vida Privada Dos Hipópotamos)
Melhor Roteiro: Murilo Salles (O Fim E Os Meios)
Prêmio Especial Do Júri: Ausência, de Chico Teixeira
Prêmio pelo Conjunto da Obra: Othon Bastos

Novos Rumos
Melhor Filme: Castanha, de Davi Pretto
Melhor Curta: Bom Comportamento, de Eva Randolph
Prêmio Especial do Júri: Deusa Branca, de Alfeu França
Júri presidido por Felipe Bragança e composto por Bianca Comparato e Cavi Borges

Prêmio Fipresci: Obra, de Gregorio Graziosi
Júri composto por Ernesto Diez Martinez, Luiz Zanin e Roni Filgueiras

Júri voto popular
Melhor Longa Ficção: Casa Grande, de Fellipe Gamarano Barbosa
Melhor Longa Documentário: Favela Gay, de Rodrigo Felha
Melhor Curta: Max Uber, de Andre Amparo

Mostra Geração: Finn, de Frans Weisz

Prêmio Felix
Melhor Documentário: De Gravata e Unha Vermelha, de Miriam Chnaiderman
Melhor Ficção: Xenia, de Panos H. Koutras

Prêmio Especial do Júri: Toda Terça-Feira, de Sophie Hyde

02.OUT.14 | A série “Hoje é Dia de Música” dirigida por Hugo Sukman foi montada pelas associadas Aline Vieira, Isis Mello e Nina Galanternick, e ainda por Pablo Ribeiro. A produção realizada pela Conspiração se iniciou há mais de dois anos e chega à tela do canal HBO, hoje, dia 2 de outubro, às 23h, e terá a cada quinta-feira um novo episódio.

Os dez episódios da série partem de momentos específicos para falar de cenários, épocas e pessoas que construíram, dia a dia, a história da música brasileira.

Com estética que remete aos grandes documentários musicais, a produção é apresentada pelo cantor e compositor Ivan Lins e pela cantora Mônica Salmaso, ambos intimamente ligados à música brasileira. Cada episódio de uma hora aborda um dia específico, e são apresentados em ordem não-cronológica. Utilizando entrevistas, imagens de arquivo, encontros entre personalidades e visitas a lugares relevantes, os apresentadores introduzem e comentam o conteúdo que conta a história de cada um desses dias.

O primeiro episódio é sobre o dia em que Tom Jobim, Vinicius de Moraes e João Gilberto cantaram pela primeira e única vez juntos o samba “Garota de Ipanema” e a importância dessa canção para a música brasileira.

Reprises:

06/10 – 9h05

07/10 – 17h

08/10 – 12h

01.OUT.14 | O documentário “Galáxias” dirigido por Fabiano Maciel e montado por nossa associada Jordana Berg terá sua estreia no Canal Brasil no dia 01/10, quarta-feira, às 22h e será reprisado no dia 02/10, às 19h.

A principal questão levantada pelo documentário é: podem os livros mudar a vida de uma pessoa? As lentes apresentam projetos que incentivam o hábito de ler em regiões periféricas do país. O longa-metragem é fruto do edital lançado pela RioFilme em parceria com o Canal Brasil, que assina a coprodução com a República Pureza.

24.SET.14 | Quinze dos setenta filmes brasileiros programados para o Festival do Rio 2014, que abre para o público nesta quinta, dia 25, têm participações de montadores da edt.

Da mostra competitiva de longas de ficção, Mair Tavares montou “Sangue azul”, de Lírio Ferreira , Karen Harley é a montadora de “O fim e os meios”, de Murillo Salles e Nina Galanternick  é co-montadora (com Karen Sztajnberg) de “Casa Grande”, de Fellipe Barbosa. “Favela Gay”, de Rodrigo Felha, está na mostra competitiva de longas documentários, com montagem de Quito Ribeiro.

Na competitiva de curtas de ficção, “Outono” de Anna Azevedo, é co-montado por Eva Randolph. Na competição de documentários em curta-metragem, “Cine Paissandu: histórias de uma geração”, de Christian Jafas, tem montagem de Giovanna Giovanini.

Na mostra Novos Rumos de longas, Nina Galanternick aparece novamente na montagem de “Seewatchlook – O que você vê quando olha o que enxerga?”, de Michel Melamed. O documentário “Tudo vai ficar da cor que você quiser”, de Letícia Simões, foi montado por Vinícius Nascimento.

“O bom comportamento”, dirigido e montado por Eva Randolph, e “A deusa branca”, de Alfeu França, montado por Alexandre Gwaz, estão na mostra Novos Rumos de curtas.

Na categoria hors concours da Première, Tina Saphira montou o longa “Infância”, de Domingos Oliveira, e o curta “Compêndio”, de Eugenio Puppo e Ricardo Carioba, tem como montador Joaquim Castro.

Na mostra Retratos, Diana Vasconcellos assina a montagem do longa “O vento lá fora”, de Márcio Debellian. O curta “Caetana”, de Felipe Nepomuceno, tem montagem de Arthur Frazão.

A mostra Geração exibirá o longa “Encantados”, de Tizuka Yamasaki. O filme tem montagem de Tainá Diniz e Marta Luz.

Confira as sinopses dos filmes e as respectivas sessões no festival:

 Première Brasil – Competitiva Longa ficção

CASA GRANDE (direção: Fellipe Barbosa / montagem: Nina Galanternick e Karen Sztajnberg)

Jean é um adolescente rico que luta para escapar da superproteção dos pais, secretamente falidos. Quando o motorista de longa data é demitido, Jean tem a tão sonhada chance de pegar o ônibus público pela primeira vez. No ônibus, ele conhece Luiza, uma aluna da rede pública que começa a abrir seus olhos para as contradições de dentro e fora da casa grande.

O FIM E OS MEIOS (direção: Murilo Salles / montagem: Karen Harley)

O filme conta a história de Paulo e Cris, um jovem casal que se muda para Brasília para tentar resolver os impasses da relação. Ela é jornalista, ele é publicitário. A campanha eleitoral de um senador da república desencadeia um jogo de poder em que a mídia e a política convivem de forma perigosa com os desejos e as fraquezas da relação entre homem e mulher. As raízes do Brasil são expostas através dos sentimentos daqueles que vivem dentro do furacão do cotidiano do poder.

SANGUE AZUL (direção: Lírio Ferreira / montagem: Mair Tavares)

Há 20 anos, numa ilha vulcânica e paradisíaca, um menino de 10 anos foi separado de sua irmã. A mãe, temerosa que uma atração incestuosa se desenvolvesse entre os dois, mandou seu filho para o continente com Kaleb, o ilusionista do Circo Netuno, que estava passando pela ilha. No continente, Kaleb instruiu o menino nas artes do circo e do espírito, e o ex-ilhéu se tornou Zolah, o Homem Bala. Zolah agora está de volta à ilha com o circo. Um paralelo entre cinema e circo para falar de mar, arte e amor.

 Première Brasil – Competitiva Longa Documentário

FAVELA GAY (direção: Rodrigo Felha / montagem: Quito Ribeiro)

O filme mostra como é a vida da comunidade LGBT nas favelas do Rio de Janeiro. Gays existem em todo lugar, seja no morro ou no asfalto, mas aqui o assunto é tratado com a participação de outros signos – o tráfico, as igrejas evangélicas e a vizinhança. O filme também aborda as questões comuns dos homossexuais e transexuais: homofobia, preconceito, aceitação da família, trabalho e o dia a dia com a sociedade. Apesar das adversidades, cada personagem, inserido no cotidiano de sua comunidade, conta como reinventou sua história através da música, da dança, da política e do estudo.

 Première Brasil – Competitiva Curtas Ficção

OUTONO (direção: Anna Azevedo / montagem: Eva Randolph, Anna Azevedo e Vinícius Brum)

De toda uma vida, sobreviveu uma única lembrança. Apenas uma.

 Première Brasil – Competitiva Curtas Documentários

CINE PAISSANDU: HISTÓRIAS DE UMA GERAÇÃO (direção:  Christian Jafas / montagem: Giovanna  Giovanini)

Documentário sobre o cinema que formou a Geração Paissandu, nos anos 1960, e o impacto cultural e social desse período para a história do país. Hoje, 50 anos após o golpe militar, o movimento é um exemplo para os que lutam contra o autoritarismo, as diferenças sociais e as políticas públicas que usam a força policial como um meio de repressão.

 Novos Rumos Longas

TUDO VAI FICAR DA COR QUE VOCÊ QUISER (direção: Letícia Simões / montagem: Vinícius Nascimento)

Uma apresentação do escritor, músico e artista plástico Rodrigo de Souza Leão. O filme se utiliza de material de arquivo inédito, videoclipes com as músicas de Rodrigo e videoartes a partir dos poemas escritos pelo autor e nunca publicados. Aos 23 anos, Rodrigo foi diagnosticado com esquizofrenia e criou todo seu trabalho dentro de casa. O filme conta ainda com a participação de entrevistados que efetivamente conheceram o artista, como o poeta Leonardo Gandolfi, a escritora Suzana Vargas e a artista plástica Julia Debasse.

SEEWATCHLOOK: O QUE VOCÊ VÊ QUANDO OLHA O QUE ENXERGA? (direção: Michel Melamed / montagem: Nina Galanternick)

Documentário sobre os desafios de criar um espetáculo na cidade Nova York – o primeiro para ser assistido do High Line Park – pela perspectiva do artista brasileiro Michel Melamed e sobre as fronteiras entre a realidade e a ficção.

 Novos Rumos Curtas

O BOM COMPORTAMENTO (direção e montagem: Eva Randolph)

Férias de verão na colônia. Isolados pela natureza e com os celulares apreendidos, os adolescentes se divertem em atividades ao ar livre. Desconhecida pelos demais, Laura tenta se adaptar. Exibido na mostra competitiva do Festival de Locarno 2014.

A DEUSA BRANCA (direção: Alfeu França / montagem: Alexandre Gwaz)

Em 1958, o polêmico Flávio de Carvalho integra uma expedição à Região Amazônica. Seu objetivo era realizar um filme unindo pesquisa etnográfica e drama ficcional sobre uma menina branca que teria sido raptada por índios. Valendo-se do precioso material filmado durante a expedição, A deusa branca resgata esse obscuro episódio da vida desse genial artista.

 Hors Concours Longas

INFÂNCIA  (direção:  Domingos Oliveira / montagem: Tina Saphira)

O filme se utiliza da delicadeza e particularmente do humor para descrever o funcionamento autoritário de uma família tipicamente brasileira na década de 1950, no Rio de Janeiro, chefiada por uma matriarca que espera ansiosamente a chegada da noite para ouvir Carlos Lacerda. Sua intensa trama emocional é abordada explicitando os absurdos dos comportamentos dos personagens.

 Hors Concours Curtas

COMPÊNDIO (direção Eugenio Puppo e Ricardo Carioba / montagem: Joaquim Castro)

Um homem velho preso a uma cadeira de rodas reflete sobre suas limitações. Ele tem como única distração uma bola, que passa o dia jogando para cima. Um dia, o inesperado acontece.

 Retratos Longas

O VENTO LÁ FORA (direção:  Marcio Debellian / montagem: Diana Vasconcellos)

Um retrato do poeta Fernando Pessoa a partir da leitura de poemas criada pela professora Cleonice Berardinelli e pela cantora Maria Bethânia. A leitura, apresentada ao público uma única vez, na FLIP 2013, foi filmada em estúdio com a presença de uma plateia de convidados. O roteiro do filme se constrói a partir do registro dos ensaios para a leitura, das conversas sobre a obra do poeta e de pesquisa de manuscritos e imagens raras.

 Retratos Curta

CAETANA (direção:  Felipe Nepomuceno / montagem: Arthur Frazão)

Abril de 2014. Ariano Suassuna conversa com Caetana, como a morte é chamada no sertão nordestino.

 Mostra Geração

ENCANTADOS (direção: Tizuka Yamasaki / montagem: Tainá Diniz e Marta Luz)

Atrevida e perseverante até a teimosia, Zeneida se transforma quando é desafiada. Tem acessos de pânico. O pai quer interná-la num hospício. Zeneida só quer sobreviver, agora que encontrou seu primeiro grande amor: Antonio, o Encantado Sucuri. Foge com ele, sem saber que aquela paixão os levará às fronteiras do mundo mítico dos Caruanas, as entidades da natureza. Ali ela encontra seus antepassados, a linhagem dos pajés que vivem na natureza da alma. Lutando para salvar o amor, é surpreendida.

 * Sessão com convidado(s)

29.AGO.14 | “Elena”, de Petra Costa, recebeu o trofeu Oscarito de melhor longa-metragem documentário na cerimônia do Grande Prêmio do Cinema Brasileiro, ocorrido na última terça no Teatro Municipal carioca. O filme também foi premiado na categoria melhor montagem de documentário, assinada pela associada da edt., Marília Moraes, e por Tina Baz.

Sobre o trabalho, Marília nos contou com exclusividade:

“Foi um processo bem diferenciado e desafiador. A natureza da história era pesada, o drama era real, a diretora era uma das personagens e o material foi sendo descoberto e também filmado ao longo do processo de montagem. A ilha de edição esteve presente em todo o tempo em que o filme foi feito. As decisões estruturais, os pesos dos personagens, a procura pelo tom certo da voz off que narra o filme, a confecção dos textos, e todo o corpo do filme foi se formando na ilha. Havia a colaboração de uma roteirista e escolhemos contar a história em um formato ficcional, apesar de estarmos tratando de um documentário.  O envolvimento era grande, mas não podia ultrapassar a minha função de montadora. Por ser um filme extremamente íntimo e pessoal, o meu olhar tinha que estar ainda mais atento e no lugar do espectador. Essas nuances que guiavam a escolha do que interessava realmente ser mostrado ou abordado e a maneira em que os pensamentos e sentimentos da Petra se transformavam em cenas dentro do filme foi sem dúvida o maior desafio. Era necessário lidar com os extremos, falar da morte com delicadeza e dar o peso certo a cada situação para que a história pessoal fosse transformada em um drama universal, algo com que qualquer pessoa pudesse em algum momento se identificar.  Foi um trabalho longo, que me proporcionou muitos aprendizados e é emocionante ver como o público abraçou o filme e se sente verdadeiramente tocado por esse drama”.

A melhor montagem para longa de ficção foi para Márcio Hashimoto, por “Faroeste Caboclo”. O filme de René Sampaio recebeu a maior parte do prêmios da noite.

O júri do Grande Prêmio é composto pelos sócios da Academia Brasileira de Cinema. A entidade é atualmente formada por mais de duzentos profissionais da área cinematográfica nacional.

Confira a lista completa dos premiados:

MELHOR LONGA-METRAGEM DE FICÇÃO

Faroeste Caboclo

MELHOR DOCUMENTÁRIO

A Luz do Tom

MELHOR COMÉDIA

Cine Holiúdy

MELHOR FILME INFANTIL

Meu Pé de Laranja Lima

MELHOR ANIMAÇÃO

Uma História de Amor e Fúria

MELHOR FILME ESTRANGEIRO

Django Livre (Estados Unidos)

MELHOR DIREÇÃO

Bruno Barreto (Flores Raras)

MELHOR ATOR

Fabrício Boliveira (Faroeste Caboclo)

MELHOR ATRIZ

Glória Pires (Flores Raras)

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Wagner Moura (Serra Pelada)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Bianca Comparato (Somos Tão Jovens)

MELHOR FOTOGRAFIA

Gustavo Hadba (Faroeste Caboclo)

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE

José Joaquim Salles (Flores Raras)

MELHOR FIGURINO

Marcelo Pies (Flores Raras)

MELHOR MAQUIAGEM

Siva Rama Terra (Serra Pelada)

MELHORES EFEITOS VISUAIS

Uma História de Amor e Fúria

Serra Pelada

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

Kléber Mendonça Filho (O Som ao Redor)

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

Marcos Bernstein e Victor Atherino (Faroeste Caboclo)

MELHOR MONTAGEM – FICÇÃO

Márcio Hashimoto (Faroeste Caboclo)

MELHOR MONTAGEM – DOCUMENTÁRIO

Marília Moraes e Tina Baz (Elena)

MELHOR SOM

Leandro Lima, Mirian Biderman, Ricardo Chuí e Paulo Gama (Faroeste Caboclo)

MELHOR TRILHA SONORA

Paulo Jobim (A Luz do Tom)

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL

Phillipe Seabra (Faroeste Caboclo)

MELHOR CURTA-METRAGEM DE FICÇÃO

Flerte, de Hsu Chien

MELHOR CURTA-METRAGEM DE DOCUMENTÁRIO

A Guerra dos Gibis, de Thiago Brandimarte Mendonça

MELHOR CURTA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO

O Menino que Sabia Voar, de Douglas Alves Ferreira

15.08.204 | No dia 21 de agosto, como parte da semana de abertura do semestre letivo, a Escola de Cinema Darcy Ribeiro fará uma mostra em homenagem a Ricardo Miranda. Falecido em março deste ano, Ricardo era professor de teoria da montagem na escola.

Após a exibicão dos filmes, haverá um espaço aberto a alunos e ex-alunos que quiserem falar em homenagem ao professor.

A programação do dia:

14h, Amor, Carnaval e Sonhos, 1972, de Paulo César Saraceni, montado por Ricardo Miranda.
15h30, A Idade da Terra, 1980, de Glauber Rocha, montado por Ricardo Miranda.
18h, H.O., 1979, de Ivan Cardoso, montado por Ricardo Miranda.
18h30, Paixão e Virtude, 2014, dirigido por Ricardo Miranda.

Após os filmes, Hernani Heffner, diretor da Cinemateca do MAM, fala sobre a trajetória e importância de Ricardo Miranda para o cinema brasileiro.

01.AGO.2014 | Um jogo em que a produção do roteiro, filmagem e edição de curtas metragens de até seis minutos tiveram que ser completados no período de três dias: essa foi a proposta do Festival 72 horas, que aconteceu no Rio de Janeiro.

Tendo como missão o fortalecimento das comunidades criativas cariocas, os filmes tiveram como base a zona portuária da cidade, e cada equipe contou com pelo menos um morador da região.

O curta “A Visita”, de Leandro Corinto, conta a história de um inusitado reencontro entre pai e filho, e foi o grande vencedor do evento, tendo obtido sete prêmios, entre eles os de melhor filme, roteiro, direção e montagem, este para nossa associada Carol Donati.

O curta pode ser conferido na íntegra aqui:

 29.JUL.2014 | A associada Eva Randolph é mais uma vez premiada, agora no 6º Paulínia Film Festival, pela montagem do filme “Aprendi a jogar com você”, de Murilo Salles. O parabéns é duplo, pois ela ainda recebeu o prêmio especial do Juri, que premiou o seu curta-metragem “O bom comportamento”. 

Eva nos contou como foi trabalhar na montagem de “Aprendi a jogar com você”:

“Comecei a montar ‘ Aprendi a jogar com você’ em fevereiro de 2011. Inicialmente o filme seria um tríptico com outros dois artistas – parte de um projeto do Murilo Salles chamado ‘És tu brasil’. Porém, para nossa sorte, um deles acabou não aceitando e o outro tinha material suficiente para resultar num filme só. Nesse momento, tinhamos 40min. montados. O filme, que até então estava sem nome, contava a viração de Duda e Milka para fazerem um show no carnaval, respectivamente um Dj e uma cantora/dona de casa, que criam diariamente estratégias para viver de sua música nas cidades satélites de Brasília.

Seguida a essa mudança de estrutura – de três personagens para um – seguiu-se uma nova filmagem, em 2012, um ano depois da primeira. Nessa segunda etapa de filmagem, fica claro para o Dj Duda como a filmagem poderia servir para sua estratégia de fazer sucesso. Quando voltamos a montar, tínhamos todo um novo filme pela frente. Assim, o filme passa a ser também sobre um personagem que se ficciona, que cria situações, dirigindo a si mesmo e ao diretor-câmera, que na primeira fase foi André Lavaquial e na segunda, Leonardo Bittencourt. Diante disso, buscamos também o material da pesquisa, e fechamos finalmente o filme em julho de 2013. Por enquanto está fechado, mas nas palavras do próprio Murilo, podemos sempre voltar a filmar e montar a saga de Dj Duda e Milka Reis.”  

24.Jun.14 | Com argumento de Thiago Bernardes e direção e roteiro de Gustavo Gama Rodrigues e Paulo de Barros, o documentário “Bernardes” parte da busca de Thiago por entender a trajetória do avô, o arquiteto e urbanista Sérgio Bernardes.

O filme tem a participação de profissionais que trabalharam diretamente com Sergio, pesquisadores e familiares, além de visitas aos principais projetos construídos. O neto Thiago investiga o por quê o arquiteto ter sido mantido à margem do cenário arquitetônico brasileiro.

Nosso associado Yan Motta, montador do filme, nos contou com exclusividade sobre o trabalho:

“Como nem mesmo a família conhecia direito toda a história de Sergio Bernardes, na ilha de edição meu primeiro trabalho foi de estudo. Tanto de noções da história arquitetura brasileira, quanto do material pesquisado  e cedido pelo acervo da família: plantas, fotos, matérias de jornal, publicações, etc. Essa fase longe do material filmado foi muito importante, para criar uma base segura pra montagem em si.
Daí em diante foram alguns meses num processo de arqueologia, combinando depoimentos e acervo pra tentar recriar um pouco da história pessoal e profissional dele. Um processo que pra mim foi extremamente gratificante e transformador, por se tratar de uma figura tão especial como o Sérgio. Foi um diferencial também ter tido tanta liberdade por parte dos diretores (além do próprio Thiago), pra poder mergulhar nesse trabalho desta forma.”

O filme estreia esta quinta, 26 de junho, em São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília, Recife, João Pessoa, Salvador, Porto Alegre e Curitiba.

06.JUN.14 | “Flaubert: uma maneira de cortar, de romper o discurso sem o tornar insensato” (Roland Barthes – O Prazer do Texto)

Ricardo Miranda foi o meu mestre no cinema e a sua partida às vésperas de completar 64 anos me deixou desconcertado. Este relato pretende expor a enriquecedora experiência conceitual e prática na montagem de imagens e sons para o cinema ao longo da colaboração e amizade que cultivamos ao longo destes quase 5 anos em que convivemos.

Ricardo dava aulas de Teoria da Montagem na Escola de Cinema Darcy Ribeiro. Era um professor de semblante enigmático e se expressava com poucas palavras. Sua figura grisalha lembrava o velho Orson Welles. Em seus cursos nos apresentava um recorte singular do cinema mundial e projetava filmes que ele garantia que dificilmente veríamos em algum outro lugar… Filmes de Peleshian, Paradjanov, Straub e Eisenstein! 

Defendia a montagem dialética de Eisenstein – que consiste em não considerar as imagens como tijolos em sucessão que erguem a obra como um todo, mas sim pensar o choque dialético: pensar a 3ª imagem formada pela mudança brutal de uma imagem para a a imagem seguinte – no corte seco.

Evidenciava a necessidade do pensamento no projeto do cinema de autor brasileiro: em filmes de Sganzerla, Glauber, Bressane e Saraceni! Para a vulgata, era a etiqueta pejorativa do “cinema marginal” – para nós alunos, eram filmes feitos de maneira libertadora e revolucionária – e Ricardo nos mostrava que os filmes eram muito mais do que isso: nos transmitia as leituras e as idéias por trás dos roteiros desses filmes a partir da interlocução e amizade que tinha cultivado com cada realizador. Finalizava dizendo “Estudem!”.

Fui chamado em 2011 pela amiga Barbara Vida, a jovem atriz e produtora de seus últimos 2 longa metragens, para participar das filmagens de seu primeiro mergulho sobre a obra de Flaubert: Djalioh – o seu segundo longa de ficção, reescrito por Ricardo a partir do estudo de roteiro que havia conduzido em 1980 com Breno Kuperman.

Djalioh conta a história de um cientista francês que vai até o Brasil colonial praticar o perverso experimento de cruzar uma escrava, com um macaco. Da imaginação do jovem Flaubert sobre o Brasil – que escrevera este conto fantástico aos 16 anos – nascia a bizarra criatura Djalioh. O texto carrega um projeto subterrâneo contra a ciência positivista que se praticava na Europa, além de fazer um deboche estarrecedor com a forma literária do romantismo.

Através da figura do narrador, penetrávamos nas profundezas da alma de uma criatura bestial, em pensamentos que serviam de bode expiatório onde se reforçava um discurso de crítica dos costumes que seria interditado a um personagem totalmente humano. Nas palavras do crítico Fábio Andrade, “Em Djalioh, as palavras são personagens, como os personagens são palavras”.

Durante as filmagens eu era ainda muito inexperiente e atrapalhado como assistente de câmera, e trabalhava para o virtuoso fotógrafo Antonio Luiz Mendes. Antonio é um fotógrafo com enorme senso de persistência na busca pela luz e pelo quadro almejados, trabalha com uma enorme seriedade nas horas de filmagem, e é de uma alegria reluzente e jovial nos momentos de intervalo e descanso.

Minha inabilidade com o trabalho no set foi compensada com o primoroso trabalho de montagem que tocamos, Ricardo e eu, em minha ilha de edição, ao longo de dois meses, em que encaminhamos Djalioh à sua forma final.

Se em aulas Ricardo defendia um corte rápido e veloz, era para que pensássemos ao máximo o exercício do corte, nos propondo mirabolantes desafios que devíamos entregar apressadamente no prazo de uma ou duas semanas, para que o curso seguisse em frente. Trabalhando por dois meses em seu longa, eu aprendia também um outro corte: em um filme que tinha planos que duravam seis… sete… dez minutos, às vezes. O método consistia em suspender as imagens ao limite até que os olhos gritassem “CORTA!”, e então entrava o plano seguinte: no corte lacaniano.

Então me tornei amigo de Ricardo, e pude conhecer aos poucos a sua vasta obra como documentarista, publicitário e gerente do departamento de interprogramas na TV Brasil. Djalioh teve cerca de dois anos de circulação em quase uma dúzia de festivais. Na vida social, Ricardo era um homem gentil, e sua longa carreira como montador (alguém que trabalha para diretores) pareceu ter solidificado a sua personalidade tranquila de alguém que dificilmente se estressava, na contramão da arrogância voluntariosa que se vê nas biografias dos diretores de cinema.

Depois trabalhando, nos momentos mais difíceis, quando o material bruto não parecia oferecer nenhuma solução para a montagem, era fundamental recorrer a suas realizações como montador. A lógica selvagem com que Ricardo trabalhava a montagem está presente de maneira bem pronunciada nos curtas H.O. (1979), sobre Hélio Oiticica, de Ivan Cardoso e O Som ou Tratado de Harmonia (1984), de Arthur Omar sobre a metafísica do som; filmes que Ricardo havia montado ainda no tempo das moviolas.

Em 2012, montei o longa de ficção Estado de Exceção junto ao diretor Juan Posada, pela primeira vez sem o constante diálogo com Ricardo Miranda. Nos reunimos com Ricardo com o filme já montado, e seus conselhos foram fundamentais para que chegássemos ao corte final. Ricardo respeitou os fotogramas de nossos cortes e propôs valorosas mudanças na macroestrutura do filme.

No ano seguinte, junto à amiga e filósofa Marina Cavalcanti, escrevemos um ensaio intitulado Estado de Exceção – Estado de Espírito que analisava a estrutura narrativa do filme. O texto foi publicado em uma revista virtual italiana e encerra em um agradecimento a Ricardo e a Rosemberg.

“Neste ensaio confrontamos a forma do filme em questão a uma certa estética. Naturalmente nosso intuito não foi o de transformar a crítica feita a um cinema predominante em uma denuncia formal, mas sim de resgatar alguns dos paradigmas do cinema moderno, sempre tão presentes em filmes que apresentam uma forma desafiadora, e, ao mesmo tempo, tão faltosa neste cinema de efeitos que caracterizamos ao longo do texto. (…) Agradecemos aos realizadores Luiz Rosemberg Filho e Ricardo Miranda, pelos livros de Pasolini que nos foram emprestados, pelas conversas esclarecedoras, e pelo constante empenho dos dois, cada um à sua maneira, de sempre questionar as formas e os limites da linguagem cinematográfica, a cada novo filme“.

Rosemberg, ou apenas Rô, para os mais próximos, tem quase uma centena de filmes-discurso onde às vezes ele próprio, noutras vezes atores e atrizes, declamam manifestos mesclados às suas bricolages, formando um todo de assuntos recorrentes: Rô escreve com poesia e pessimismo ao enunciar repúdio às guerras, fazer críticas aos governos e seus chefes de estado; e com uma admiração contemplativa sem igual, faz um elogio ao cinema, à obra de arte, ao erotismo e à intelecção.

As bricolages de Rosemberg são obras de arte que podem ser consideradas à parte, mas que estão também integradas a muitos de seus filmes. Seu primeiro longa metragem, Crônica de um Industrial, foi montado por Ricardo Miranda e fotografado por Antonio Luiz, em 1978, e já carregava todas as tônicas até hoje presentes no cinema de Rosemberg.

No ano de 2013, chegou a vez de Ricardo filmar mais um conto da juventude de Flaubert: em Paixão e Virtude, o adolescente criado no estranho ambiente de um hospital já ensaiava para a sua grande obra Madame Bovary, contando a história da conturbada paixão entre uma mulher casada e seu amante.

Ao lado da companheira e roteirista Clarissa Ramalho, Ricardo pôde aprofundar a questão do narrador de maneira ainda mais complexa. Em Paixão e Virtude, tem-se a absoluta superação da figura das personagens, e o que cada um dos atores representa são modulações de sentimentos complexos e ambivalentes, evidenciando uma multiplicidade interior dentro de cada persona.

Ricardo estabelecia suas parcerias de criação com muito diálogo e amizade, e orientado pela teoria aristototélica da matéria e da forma, ofereceu não o seu filme finalizado, mas sim o conto de Flaubert como matéria para que o músico Fernando Moura executasse a sua transposição. Ricardo estava naquele momento muito mais confiante para suas escolhas: com uma equipe maior, com melhores equipamentos, e um ânimo sem igual. E foi tempo de embarcar mais uma vez em seu maravilhoso set de filmagens, de vê-lo tranquilo e ocupado, constituindo a matéria de seu cinema, transpondo suas vastas pesquisas sobre poetas da imagem, da palavra e dos sons…

Com vigorosa montagem de Joana Collier, encadeou-se a forma de Paixão e Virtude: os cortes são como símbolos a serem decifrados, onde o que se vê é um encadeamento certeiro entre a imagem que se oferece e as palavras recitadas no discurso dos personagens-narradores. Coube também a Joana montar o curta autobiográfico de Ricardo, Palavra Exata (2009), que revela a sua relação com o irmão artista plástico Ronaldo Miranda.

Para todos nós alunos, parceiros de equipe, amigos, família e apreciadores de seus filmes nas mostras e festivais, Paixão e Virtude parecia marcar a despedida de uma longa e profícua carreira como montador, e o começo, julgávamos nós, garantido de uma vida de realizado. Numa manhã de sexta-feira, Ricardo Miranda não acordou. Ricardo deixou para todos nós uma paixão pelo cinema e, nos dias que se seguiram, tivemos o prazer triste de conhecer grandes amigos e familiares nesta circunstância esvaziante. Hoje, cada um de nós pode contar histórias do Ricardo que ainda não conhecíamos, que nos alegram, e nos fazem seguir em frente, pensando em nossas vidas.

Pedro Bento é estudante de Filosofia na Universidade Federal do Rio de Janeiro. Formado em Montagem e Edição de Som pela Escola de Cinema Darcy Ribeiro, montou os longas de ficção “Djalioh” e “Estado de Exceção”.

04.JUN.14 | “Tim Lopes – Histórias de Arcanjo” traça um perfil do jornalista investigativo que revelou aos brasileiros uma dura realidade. Conduzido por Bruno, filho de Tim, o filme conta a infância do repórter no Rio Grande do Sul, resgata os seus principais trabalhos e esclarece as circunstâncias de sua execução por traficantes de uma favela carioca, através de depoimentos de parentes, amigos e companheiros de trabalho, além de imagens de arquivo.

O filme tem direção de Guilherme Azevedo. Nossa associada Joana Collier, que assina a montagem do longa, nos contou sobre o trabalho:

“‘Histórias de Arcanjo’ foi um processo muito diferente dos outros documentários que eu já tinha montado. A discussão sobre todo o conteúdo foi feita na ilha de edição. Quando entrei no projeto, eles tinham algumas entrevistas já feitas, mas o Bruno, filho do Tim, ainda não tinha se assumido como o personagem principal do filme. Foi um processo duro, porque tínhamos discussões muito difíceis de como trabalhar esse protagonismo sem excessos. Cada dia eles traziam um material novo, novas situações e entrevistas. E assim, fomos discutindo os rumos do documentário até o fim. Os mestres Eduardo Escorel e Ricardo Miranda foram muito importantes para que eu conseguisse chegar a um corte final. Pois com tanta imersão, eles conseguiram trazer de volta o distanciamento crítico que eu precisava para fechar a montagem. Agradeço também a parceria de Nina Galanternick que assistiu uma das últimas versões e deu sugestões preciosas.”

02.JUN.14 | Ambientado no subúrbio carioca, O LOBO ATRÁS DA PORTA é um suspense que conta a história de uma criança sequestrada e o terror que seus pais vivem com essa tragédia.

O filme marca a estreia de Fernando Coimbra na direção de longa-metragem e participou de diversos festivais nacionais e internacionais, tendo conquistado importantes prêmios, como os de melhor filme e melhor atriz (para Leandra Leal) no festival do Rio 2013 e no Rencontres du Cinema Sud-Americain de Marseille. Foi premiado também no San Sebastian International Film Festival (melhor filme), no Miami International Film Festival – Knight Competition  (melhor filme e melhor diretor), entre outros.

Com produção de Gullane e TC Filmes, o longa foi montado por Karen Akerman, associada da edt. Sobre a experiência, Karen contou recentemente na seção Match Frame:

“Por transitar pelo suspense para narrar dois pontos de vista diferentes da mesma história, o filme ganha diversas camadas de interpretação. No roteiro já estava bem delineada essa linguagem, mas foi na montagem que construímos o desenho final para enaltecer os climas e ganhar em tensão.”

Com fotografia de Lula Carvalho, o longa tem no elenco Leandra Leal, Milhem Cortaz, Fabíula Nascimento, Juliano Cazarré, Paulo Tiefenthaler, Tamara Taxman, Emiliano Queiroz. O filme entra em cartaz nesta quinta, 05/06, com distribuição da Imagem Filmes, em diversas cidades, entre elas São Paulo, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, Brasília, Porto Alegre, Recife.

21.MAI.14 | Estreia amanhã, dia 22, o documentário “Dominguinhos”, dirigido por nosso associado Joaquim Castro, Eduardo Nazarian e Mariana Aydar, com montagem também de Joaquim Castro.

13.mar.2014 | Na Semana de Orientação 2014, da Academia Brasileira de Cinema, Jordana Berg fala sobre seu trabalho com Eduardo Coutinho. Uma breve e bela homenagem.